​这三位女性创作者，从未停止探索未知

自从决定无限期终止个人眼镜品牌的业务后，刘海榭（Percy Lau）得到了身边很多朋友的共鸣和鼓励，“他们都说我很有勇气，说断就断了。”然而改变从来不是一夜之间发生的，从眼镜设计到虚拟时装，再到如今对人工智能的整合搭建，求知欲推动着她将自己原有的世界推翻、重建，去迎接未知的新挑战：“知识的获取让我的心绪平静下来，得以看到更大、更有趣的世界。”

将眼镜元素拆解为简单的几何图形，

露出的纹理来自PercyLau品牌往季的广告片，

结合Percy的艺术化再演绎，过往与当下在此刻相遇。

5 月底，Percy Lau为自己过去十年的职业生涯举办了一场特殊的告别会。在活动现场，她过往所创作的眼镜代表作被制作成标本，赠送给每一位嘉宾。曾经，Percy用这些作品颠覆了人们对于配饰设计的审美和认知，如今，她希望将视野再放得长远些，不受限于透过异型镜框和彩色镜片所显像的世界，而是更加关注自己的内心，做出更着眼于未来的决定。

Percy的这一转变并非毫无预兆，用她的话来说，她是“吃过亏的人”，但依旧义无反顾地投入到新技术和新概念的探索中。她不仅经历过web3.0和比特币的流行风潮，也留意着虚拟技术的动向。去年初，她创作的金属感虚拟配饰便出现在了《服饰与美容VOGUE》的时装大片中。而早在2019年，Percy就已经开始尝试了解和学习编程，她希望用自己编写的程序来运作和绘制想要的画面。“当时大众层面对AI好像没有那么多的热情，但我并不是追逐潮流，只是在时机成熟的时候，向大家公布我在做这件事。”

Percy为《服饰与美容VOGUE》2022年1月刊

所打造的金属身体配饰，摄影：陈墨墨。

去年7月，人工智能程序Midjourney开放公测，第一时间参与其中的Percy产生了一种强烈的震撼，加之通过AI可以在短短几小时内生成500副眼镜设计的体验，让她突然意识到人工智能时代来临了。“我很激动，也很崩溃，但我还是下定了决心要去研究AI这个东西，因为这可能是未来更有价值的事情。”

没有过多的思考和犹豫，Percy保留了之前眼镜团队中的两位成员一起协作，而后一头扎进了人工智能的世界，以学生的姿态去学着捋清那些相对陌生的东西是什么、怎么做。“首先，无论是编程也好，还是AI也好，我都是在常用的视频网站上学习的，就先要去了解这些技术是否在我的学习能力范围内；其次，也需要咨询一些专业人士，了解自己为此需要攻克哪些难点，去咨询这件事情有没有未来。”她解释道。

具体说来，通过对个人风格的学习，Percy将其功能划分为三个方面：时尚个人摄影，提供风格化的沙龙写真生成服务；设计生成，通过AI深度学习设计师本身的风格，来提供设计方案；lookbook生成，简化传统拍摄过程的流程和效率，同时通过与创意人签约来保障他们的创作权益。

Percy的全新虚拟设计项目D3SIGNATOR

在这个过程中，Percy也在尝试着解决AI图像生成领域尚未规范的版权问题。“我所做的AI是注重学习设计师本人以往的作品，不会侵权到别人，这也建立在设计师本身是有自己风格的基础上。”周围的摄影师朋友们得知了她的想法后，也给予了充分的支持。“大家的反馈是，与其被翻版的AI使用，不如把正版授权给我，也是保护了自己的作品。”在目前已有的AI整合基础之上，Percy陆续生成出了一些印花和视觉成果来满足设计师们的需求，而她更进一步的目标，则是实现在使用AI的过程中“去AI化”，让图像更加自然、和谐地生成。

与此同时，谈及AI是否会取代创作者的问题时，Percy给出了非常理性而现实的观点：“AI的诞生并不会影响现在工商业文明的改变，或者信息时代文明的结构性改变，只会加重阶级分化，我们会看到大量从事简单脑力劳动的工作者将被代替。AI的到来，恰恰压缩了这一部分的劳动力。”而相对应地，核心创造力的优势将会更加突出，“因为AI的深度学习，可以快速生成摄影师的某些符号化风格，对于中间层靠模仿来创作的设计师来说，就会出现事业危机。而真正的创作者，他们作品中那些无法被符号化的内核与底层逻辑，反而会更有价值”。总而言之，“我觉得大家将更加注重最核心的创造力。AI是帮助你，而不是依赖于AI。”

即便在外界看来，NFT、虚拟技术，乃至AI，或许都是符号表现下转瞬即逝的热词，但Percy丝毫没有担心市场热度的来去。“我个人不会因此感到焦虑，即使最后没有做出什么结果，也没什么大不了。我也不太会计较我为这个东西付出多少，一定要得到什么结果。就像我之前做眼镜的时候，根本不会计较卖得好不好，只是希望产品本身有理念的传递。”如今Percy更愿意把自己的状态描述为一个“学生”，走进未知、摄入新知的过程反而是最令她享受和珍视的。“其实之前做设计的时候，越到后期就越会陷入瓶颈，想要表达的东西就越来越空，而对更多领域的学习，带给我最大的影响就是让自己不再空虚，并重新构建了我看世界的方式，也让我更加在乎我觉得有价值的东西。”

作为时装设计师的黄婉冰，似乎一直与热闹的圈子若即若离。她有时回归正常的系列发布，接受汹涌而至的关注；有时又会在该与大家见面时，消失得无影无踪。作为艺术家的黄婉冰，创作的欲望蛰伏已久，公开发布的第一个正式作品，就得到国际知名奖项的关注和认可。她的身上延伸出驶往不同方向的轨道，它们经历并行与交织，最终汇合成一条更加流畅的曲线，在脱离时间的维度里，无始无终，一路疾驰。

黄婉冰作品中惯用的编织元素借由不同颜色和肌理

进行呈现，层层叠加中表现出了工艺的源远长。

“最近是不是忙着搞艺术呢？”对于许久没有发布时装新作的黄婉冰来说，这自然成为了我们对话的开场白。黄婉冰表示，当下的重心确实更多放在艺术上，但大众或许有所不知，她的创作世界其实是由三部分组成的：时尚这块除了为大家所熟知的高级成衣品牌At-One-Ment外，还有另一个商业品牌Another Muse；艺术方面则兼顾黄婉冰的个人创作和其他艺术项目；除此之外，她还有专门的创意团队，进行一些与中国传统文化推广项目的合作。

这三部分之前是处于相对并行的状态，但黄婉冰想让它们的轨迹交织得更加紧密。服装曾是她最得心应手的工具，但现在她觉得还不够。“说实话，我觉得时尚对我来说可能是一种相当有限的表达形式，很难单纯通过它去传达我想传达的一切。所以，我现在的目标是打破各个领域间的界限，通过不同的技术和媒介让我可以掌握更多的表达形式。”At-One-Ment的节奏将放缓，转为走定制路线，一年仅推出8-10套作品，这些作品将更多地融入中国传统文化和非遗工艺元素。并且，服装的工艺、面料和手法等将与黄婉冰的艺术创作产生更强的联结，以完整地表达背后概念性的东西。

黄婉冰艺术创作的灵感收集板。

这样的想法其实早就有了，但疫情的发生让一切愈发清晰。早在2017年，黄婉冰正式发布的首个服装作品，就是用马尾毛制作的一条连衣裙，蜿蜒的马尾毛倾泻而下，将整个身体包裹在手工的温度当中。同年，黄婉冰接到了来自Nike的合作邀请，作为全球五位新锐设计师之一，以自己的方式解读品牌的标志鞋款。而她选择用竹编的工艺手法结合新型合成材料，既遵循传统又彰显前卫。黄婉冰还透露，曾经在At-One-Ment的showroom中接待过王家卫导演，他不仅选购了许多衣服，还对她大加赞赏，并且表示希望看到她更多关于材料的艺术化的表达。

这让黄婉冰在受到鼓舞的同时坚定了自己的心之所向：在不同的表现形式背后，将材料作为媒介，讲述故事，表达情感。疫情到来，突然慢下来的节奏让她终于有了深入思考的时间，也激发了压抑已久的创作欲望。情绪的积累已经到达顶点，她渴望表达，更渴望用不同的媒介和手段进行表达。而至于为什么将中国传统文化和非遗工艺作为主要方向，黄婉冰表示，并没有特别的理由，可能和身为广东人比较传统的成长背景相关。正如舞龙舞狮、划龙舟的鲜活记忆深深植根于每个当地人的脑海中一样，她从小就对天然材料有着特殊的喜好。

这也反映在了她的首个艺术作品系列之中。系列分为三部分，首个作品用马尾毛勾勒了一个看起来比较无秩序的过程；中间的部分使用麻绳编织，呈现乱中有序的迹象；而第三部分则将细密的苎麻纤维编织成井然有序的内部结构。整体形态仿佛一分为二的蛋卵，让人想到“蛋生盘古，开天辟地”的神话。从一到三，从无到有，从混乱到有序，这个过程中折射着黄婉冰的宇宙观。而第三部分“混沌的熵减”因为入围了2023年Loewe基金会工艺奖，格外受到外界关注。

黄婉冰作品《混沌的熵减》

Loewe基金会工艺奖入围作品在

纽约野口勇博物馆进行展出。

谈起这个名字，尤其是略显生僻的“熵减”二字，黄婉冰这样解释道：“就好像人通过不断去做一些事情，抵消一些熵增的感觉。然后，你的人生就会从越来越复杂变得越来越有秩序，心理状态也从激烈逐渐走向平和。”熵减和熵增是一组对应的热力学概念，它的寓意也被应用在日常生活当中，熵增意指不可逆的无序叠加，最后形成纷乱如麻的状态；而熵减则是通过人力的干预，减少混乱的程度。对于黄婉冰来说，从时装到艺术，再到穿插其间的各种创意项目，看似分开无数岔路，其实殊途同归。一条条小路并在一起，汇聚成更加宽阔的坦途，一路疾驰，欣赏着不同风景，如此周而复始，万象归一。而这，就是她的熵减。

对于尝试，对于未知，对于脱离舒适圈，有人充满期待，干劲十足；有人难掩忐忑，踌躇不前。而黄婉冰毫无疑问是前者，她说：“我觉得只要想做好一件事情，绝对不会是非常舒适的”，但“我就没怕过”。比如，看似简单的苎麻，似乎从土壤中到艺术作品里，只是发生了形态上的变化，而实则不然，它的生长周期、植物特性，甚至背后的历史和文化，都必须了解得一清二楚。对于任何话题，当钻研得越深，就会发现越发别有洞天。如何以当代年轻人的视角，将这些隐于作品背后的东西深入浅出地传递给观者，这是她想要攻克的难题。

黄婉冰在采风途中拍摄的照片。

为此，她和团队每两个月就会踏上一场采风之旅，去中国的各个地方，拜访不同的非遗匠人，听他们的故事，见识这片广袤大地所孕育的无比丰富的天然材料，感受鲜活的生命力，再将旅途中吸收的灵感和能量注入全新的创作当中。再过不了多久，黄婉冰又将踏上全新的采风旅程，这次的目的地是哪里，将见到什么样的手工艺人，被什么样的故事感动，又将触摸到怎样的材料？她选择暂时保守这些秘密，或是很快，或是很久，当作品面世的那一天，答案自然会浮出水面。

气味，似是神秘而不可捉摸之物，而颂元的探索旅程正是由嗅觉感官出发。她从小众香水的商业版图中跳脱出来，转向跨媒介艺术创作。尽管目的地是未知的，也没有任何先例可作指引，但颂元已经清晰地感知到自己想要探寻的方向，以一种纯粹的精神，去发现，去创造。

以晕染的效果表现抽象的嗅觉艺术，

画面结合颂元作品《不安的欲望》中的元素，

当色彩、气味等多感官交织，

展现出未知而迷人的变幻时刻。

《不安的欲望》

对颂元来说，创作是一种长久以来的习惯，她喜欢在业余时间里写作、写诗、拍片。2020年初到2021年上半年，她开始反思商业和艺术的本质。“我之前的职业比较特殊，做的是欧洲小众香水在中国市场的品牌管理，但当大家戴上口罩之后，对业务就有很多本质性的影响，然后这些本质性的影响也会作用到我的职业状态、生活状态。比如，我开始思考商业的底层逻辑是什么？艺术是什么，什么不是艺术？这个阶段正好有时间，就去读了很多相关的书，主要是艺术类和哲学类的书。”

期间，美国艺术批评家特里·巴雷特写的《为什么那是艺术》让颂元对于艺术的边界和价值有了新的认识。“我发现商业领域给予艺术创作与表达的空间实际上是非常小的，也是非常浅表的。从本质上说，创作在商业世界里只是一个实现商业价值的噱头。商业的本质是要交换，通过不断灌输和赋魅让消费者相信其对商品的需求，这样的规则在商业社会里是底层的。这与创作的本质有根本性的区别。”

《无极之境》颂元个展@北京瀚艺术空间

经过系统地思考之后，颂元希望把商业领域跟创作分开，分得越远越好。“我现在并不是一个职业艺术家，但我做的作品对于我本体的价值，是能够非常清晰地感知到的。今年6月，我也在798的瀚艺术空间完成了自己的第一个个展“无极之境”。当然，至于我的作品对市场而言，经济价值是不是存在，又是以一个怎么样的方式存在，这个我还不是特别确定，但是就创作本身而言，肯定是因为它对于我个人的价值激发了我对它更多的探索欲。在那段情绪消沉的时期，当我没有办法面对每天周而复始、被幽闭的生活，是创作给了我对生活的兴趣、对未知的好奇、对表达的渴望。”

《无极之境》颂元个展@北京瀚艺术空间

颂元的作品常常包括视觉与嗅觉等诸多感官媒介，需要分成不同的部分单独去做，最后再媒合到一起。她会用到大量的石膏和环氧树脂，这些材料都是需要时间凝固、塑形的。在这个过程中，她明确感知到自己对作品的期待，这种想要完整表达自我的好奇心和驱动力是非常原始的。她从中感觉到快乐、不快、兴奋、失落，而这些东西对于她来说，就是创作最大的价值所在。

嗅觉艺术创作或嗅视多感官创作没有商业化香水中“享乐”这一标准，只有当作品符合创作者心中所要表达的东西，完成“气味的有意识存在”的一刹那，创作者才能够真正释怀。“创作是一个非常纯粹的事情，当然，你不能排除它最终有可能给你带来很多东西，包括名和利，或是某种光环，然而它最初的动因一定不能是这些。我想要纯粹地去耕种自己想要使用的媒介，然后让自己全身心投入到创作给自己带来的喜悦当中，不断尝试，做减法之后再做加法。我目前最满意的一件作品，也只能打90分，而这件作品此前所经历的失败的版本，大概有150版左右。在这个过程当中，我会经历沮丧、绝望，但所有情绪也都是创作的价值。”

卑贱的边缘系列：《粪便自助餐》

此前，颂元有一些写实的多感官作品，比如“粪便自助餐”，它闻起来具有干燥粪便的气味，就像真实的粪便一样臭，刺激性的气味给观者带来了极大的震撼。观者闻到并看到这个作品之后可能会想，为什么颂元做了这样一个创作？它背后有什么样的表达场景和逻辑？然后可能去做更多功课，从而发现她的一系列作品——“卑贱的边缘”（The Edge Of Abjection）系列，在哲学家Julia Kristeva提出的“卑贱物”概念框架下探讨为什么某些东西变得令人生厌且卑贱，是因为你看到的视觉形象使其卑贱吗？还是它的嗅觉形态令你感觉卑贱？观者会自己去探求感官的特异性，拆解不同的因素，去更多地了解自己。

卑贱的边缘系列：《幻肢》

卑贱的边缘系列：《海的加冕》

与嗅视多感官创作不同，一般在纯嗅觉创作当中，嗅觉是唯一的媒介，这样的作品会给所有欣赏者更多自由发想的空间。但是颂元不希望自己的作品是一个广场，而是一条小径，其中会有路的边缘，当然，这条路会做得宽。“在嗅视多感官作品中，我更多尝试的是一种表现主义的路子。比如说最近的新作品‘捌零年代’，它是一个非常庞大的作品，不仅仅是视觉上的庞大，嗅觉也很复杂，共有六个不同的气味创作。我希望借此能够确切地表达一个80年代整体的公共叙事和个人叙事，将之融合在一起，以一种嗅觉和视觉联合呈现的方式，让大家知道我想表达的是80年代中一个什么样的场景，再去具体感受。”

颂元希望用合适的媒介去做合适的表达，尊重媒介的特性。所以未来，她的创作会有嗅觉和视觉之外其它媒介的融入，比如除了雕塑和装置之外的其他视觉或身体媒介，包括舞蹈、影像等等。“如果是从创作的角度去发想的话，我觉得好奇是探索的原始动力，我希望用自己的作品，去激发每一个人的好奇心。”

编辑：Lexi Chen、Lesley Li

撰文：Shanlai Xu、Lexi Chen、Ellen Yang

设计：小乙

图片由受访者提供